优雅插画-手册笔记-插画(如何画出可爱的分割线)

具有3D效果的平面作品现在已经非常普遍，逼真的设计形式让观众目不转睛。尤其是3D文字排版，更能让人感受到这股潮流的流行。字体不限是3D文字排版的一大优势。可以用任何字体来解读:粗体、衬线等。同时，3D设计也更多运用于标志设计中，旨在增加标志的质感和表达多样性。

2.高灰色/暖色照片

每一个潮流都会是反潮流的:饱和大胆的对比色也促进了复古柔和色彩的回归。这些颜色直接把我们带回到70年代的软片机和80年代的哑光录像带。当每种颜色都增加了适量的灰度，这些照片就有了霓虹色无法比拟的温暖和悲伤的气氛。

这种趋势在中国变得相当容易理解，即最近流行的“莫兰迪色”和“中国传统色”，从影视剧的海报延伸到其他设计。但与莫兰迪色的温婉悲凉气质不同，中国的一些传统色彩通过提高灰度表现出端庄典雅的传统古典美，所以在国风逐渐兴起和盛行的今天非常流行。

3.精美的插图

在粗线插画流行了几年之后，最近我们看到了更加精致优雅的插画的兴起。深受植物和自然元素的影响，这种风格很有女人味，也勾起了观众的纯真。这种风格在包装设计中起着重要的作用。精美的插图通常与粗糙的包装纸形成特殊的对比。在烫金、压花等高级纹理的加持下，这些插画总能在繁复与极简之间找到完美的平衡。

设计趋势每年都在更新，但基本上都是有迹可循的。但无论如何，趋势只是提供了一个大方向。毕竟设计领域的同质化内容越来越多，如何在“跟风”的同时产生差异化的设计才是设计师最需要思考的问题。

手册笔记-插图(如何画出可爱的分割线)一页手册通常包括几个模块，可以用空格、简单的线条或插图来划分，方便统一管理。映射和图解可能更复杂。本文先从最简单的分割线说起。

最简单的分割线，合适的长度不是特别长。画法很简单:画两条不是很粗糙的波浪线，在顶点标一个点或者一个小桃心(可以自由发挥)，中间加一个小装饰。

直线加悬挂法。绘画:以一条直线为主体，想象成一个平面，底部悬挂各种材质。常用材料:灯、国旗、植物。

这种的特点是海浪很特别，各种卷曲的爱情图标让你走在中世纪欧洲的贵族花园里，看莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶吻我》。

画法很简单，把第一部分的直线全部改成波浪就行了。

欧式田园风格，如何才能得到一支轻盈飘逸的羽毛笔？画吧！

等我修炼到一定程度，就可以挑战以上风格了。我给它起了个名字:墙公主！是不是特别浪漫！哈哈哈哈哈哈。想起前阵子的一部热门剧，具体名字忘了，大体和公主日记差不多。我赌100毛，剧中女主角一定用这种日记。

这种类型比第一种难，但再难也不过是小学生的美术课水平。我们可以卷起袖子蘸墨水。

以上图片中的水印应该是来自微博的一位插画师的作品。我建议有兴趣的大家多看看。这些画非常好。

不规则的构图，对风景的情感依恋，借助插画本身的形状来分账。主人！

时装画:有500年历史的“时尚魔鬼”时尚插画已经存在了近500年。既然服装产生了，就要把设计服装的理念或形象转化为时尚插画。这种视觉形式起源于插画、绘画和油画，也被称为“时尚素描”。服装设计师主要使用“服装草图”在纸上或数字方式进行头脑风暴。它在设计中的主要功能是在缝制实际衣服之前预览和可视化最终结果。

接下来我们就来看看时尚插画这个有着500年历史的“时尚恶魔”的历史发展过程。

1.时尚插画的开始

时装插画始于16世纪，当时全球的探索和发现导致人们对世界各国人民的服装着迷。解释不同社会阶层和文化适合穿着的书籍被印刷出来，以帮助消除对变化的恐惧和这些发现引起的社会动荡。

在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画、蚀刻画或木刻，包括穿着特定民族或等级的人的画板。这些是最早的服装插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能被服装设计师、裁缝和他们的顾客用来激发新的设计灵感。

17世纪的艺术家JacquesCallot和AbrahamBosse都使用现代雕刻技术制作逼真的服装和时代细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国出版，被认为是最早的时尚杂志，包括Lemecure Gallant，The Lady's Magazine，LagalleriedesModes，LecabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对越来越渴望了解市场最新时尚新闻的女性读者的回应。直到18年底和19年初，男性风格插画才变得和女性插画一样重要。

2.19世纪的时尚板块

fashionplate在18世纪晚期率先出现，在巴黎风靡一时。在此期间，HoraceVenet的“IncroyablesetMerveilleuses”和Georges-JacquesGatine在拿破仑一世时期雕刻的一系列水彩时装画等出版物声名鹊起。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的持续需求。这种对时尚服装的兴趣和对时尚服装日益广泛的获取，导致了19世纪出现了150多种时尚期刊。这些非常详细的时装插图捕捉了流行趋势的信息，并提供了一般的服装指南。

也是在这个阶段，高级时装出现了(在1860的)。时尚公司雇佣插画师，他们将直接与女装设计师合作。当设计师把布料挂在活模特身上时，插画师会勾画出新的设计。他们还将为完成的系列中的每个设计绘制插图，然后他们可以将它们发送给客户。

到19年底，手工彩印被全彩印取代。时装图案开始使用两个图形，其中一个可以从背面或侧面看到，这样可以从更多的角度看到衣服，从而使复制变得更容易。19世纪插画师关注的重点是准确和细节。它们遵循静态图像惯例，以便为观众提供全面的信息和指导。

三。二十世纪的时尚杂志和插图

在二十世纪初的几十年里，现代意义上的时尚插画第一次繁荣起来。随着最新时尚款式的发布越来越赚钱，时尚插画师的工作已经成为一种职业。时尚曾经是一个艺术家的作品，但现在它正在成为一个产业，以前所未有的数量生产新的商品来填补百货商店的空缺。这些商店创造了一种新的消遣方式——购物文化。

法国奢侈品杂志Gazette从1912到1925出版，汇集了一群在诠释时尚方面获得前所未有自由的年轻艺术家。Iribe是这些时尚插画师中的领军人物，他向著名出版物投稿，包括CharlesMartin、EduardoGarciaBenito、GeorgeBarbier、GeorgesLepape和UmbertoBrunelleschi。他们为《公报》制作的印刷版显示了日本木刻版画的影响和装饰艺术风格的新变化。

在美国，大众市场时尚杂志Vogue和Harper'sBazaar涵盖社交场合和当代时尚趋势。《Harper 'sBazaar》杂志与尔特签订了独家合同，从1915持续到1938，是出版史上最长的合同之一。

从1910到二战爆发，《Vogue》杂志的封面一直是图文并茂。《Vogue》的早期封面展示了美国插画师海伦登(HelenDryden)、乔治·沃尔夫普兰(GeorgeWolfPlank)、乔治·勒庞(GeorgesLepape)和F.X .莱延德克(F.X.Leyendecker)创作的艺术作品。

第一次世界大战后，欧洲艺术家加入其中，包括EduardoBenito、CharlesMartin、PierreBrissaud和AndreMarty。

4.时装画的黄金时代

1920年代到1930年代这一时期代表了时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被视为时尚艺术家和完美的绘图员。很多人可以用权威和信仰来代表面料的质感、光泽甚至重量。

随着摄影和印刷新技术的发展，照片的复制被直接放在杂志的页面上，这意味着时装图案不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的首选。《Vogue》杂志1936报道，照片封面的销量更好，插图开始放入内页。

随着1929股灾后的经济衰退，美国时尚界对巴黎时装的依赖度降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造业取得了巨大的进步，改进了大规模生产方法，实现了尺寸的标准化。中产阶级女性可以依靠熟练的裁缝以负担得起的价格购买最新的时尚设计，而《Vogue》和《Women'sJournal》等杂志发布的图案对家庭裁缝来说是无价的。

《Vogue》杂志的主要目的是尽可能地向读者展示时尚。摄影将插画师从对服装的精确记录的需求中解放出来，并倾向于诠释时尚服装。据该杂志的出版商称，“艺术家主要对获得有趣的图片和装饰效果感兴趣。他们厌倦了忠实地报道任何关于当代时尚精神的东西，所以他们很无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从很多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是展望未来，但这也象征着回到一个更加开朗乐观的时代。

动词 （verb的缩写）时尚插画的毁灭与复兴

到了1950年代，时尚编辑在摄影的剪辑和传播上花了更多的预算。后来时尚摄影师晋升为名人，意味着插画师必须满足于在内衣和配饰上做文章或者从事广告活动。

在1960年代，时尚插画在杂志出版业的地位不断消失，这一趋势在青年杂志这一新类别中得到了体现。许多这样的杂志出版于1960年代，所有这些插图都使用插图作为摄影的廉价替代品。

AntonioLopez是这一时期唯一定期出现在《Vogue》杂志上的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。

20世纪下半叶，时尚插画已经难以生存，直到1980年代才开始复兴。在Lamoden Peinture (1982)、Condenast ' s Vanity(1981)、VisionAire (191)等杂志上发表新一代艺术家。这种复兴归功于广告活动，尤其是巴尼在1993-1996的纽约广告活动。

6.今天的时尚插图

介于美术和商业艺术之间，时装插画最近被重新评价为一个重要的流派。因为美丽和优雅在时尚和艺术领域已经过时，时尚插画有时似乎回到了更早的时代。

摄影非常擅长记录服装的细节信息，所以插画师的重点不再是服装的准确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。20世纪末20世纪初，在数字工具和社交媒体平台的支持下，它发展出了一系列独特的艺术风格。从65438年到0990年，Edtswaki、Graham Rounthwaite、Jasonbrooks和KristianRussell等先锋插画师开始在计算机图形学领域崛起。

这一时期见证了电脑设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现，也见证了传统的基于艺术的时尚插画形式的复兴。纽约帕森斯设计学院和FIT学院开始在他们的时尚课程中提供插画作为特殊元素。手工制作的“传统”插画已经复兴，时尚插画师经常回顾过去的大师，寻找风格灵感。基于古典方法的时尚插画成功地补充了那些由更现代的方法创造的插画。

最近，通过时装设计师和插画师的合作，插画开始流行起来。随着社交媒体的使用，时尚插画师开始吸引人们的注意力。时尚插画充满了充满活力的色彩，错综复杂的图案，无穷无尽的个性，给人留下了深刻的印象。

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